Comment Comprendre L'Art Japonais ?

L'art japonais est l'un des plus grands trésors du monde, mais il est également étonnamment difficile de trouver des informations actualisées sur Internet.

Ce guide ultime présente les aspects les plus inspirants de l'art japonais : de la plus ancienne sérigraphie qui subsiste, en passant par de magnifiques gravures sur bois du XVIIIe siècle, jusqu'à l'artiste moderne le plus célèbre du Japon, Yayoi Kusama.

L'art est créé par les gens. C'est pourquoi, en racontant ces histoires, nous sommes très attentifs à leurs implications sociales et politiques. Grâce à ces 8 chapitres récemment mis à jour, vous apprendrez, par exemple, pourquoi la nature a toujours été au centre du mode de vie des Japonais, et comment l'ère Edo a produit certaines des plus belles peintures de femmes.

La scène artistique contemporaine japonaise bourdonne d'innovation et de créativité. Nous sommes heureux de partager avec vous certains des artistes, artisans et hommes contemporains les plus ingénieux, qui ne sont souvent pas aussi connus qu'ils devraient l'être au niveau international.

Plongeons dans le vif du sujet !

1. Les origines de l'art japonais

La Grande Vagueau large de Kanagawa de Katsushika Hokusai (1760-1849) est sans aucun doute l'une des œuvres d'art japonaises les plus célèbres. Ce n'est pas un hasard si cette gravure sur bois très appréciée a pour thème la formidable puissance de la nature et qu'elle contient le majestueux mont Fuji.

La nature, et plus particulièrement les montagnes, ont été un sujet de prédilection de l'art japonais depuis ses débuts. Avant l'introduction du bouddhisme en Chine au VIe siècle, la religion connue aujourd'hui sous le nom de Shinto était la foi exclusive du peuple japonais. Le shinto est essentiellement la vénération des kami, ou divinités, qui résident dans les éléments naturels, tels que les arbres, les rivières, les rochers et les montagnes. Pour en savoir plus sur la religion shintoïste, consultez la page "Que sont les sanctuaires shintoïstes ?

Au Japon, la nature n'est donc pas un sujet séculier. L'image d'une scène naturelle n'est pas seulement un paysage, mais plutôt un portrait du monde sacré et des kami qui y vivent. La centralité de la nature dans l'histoire de l'art japonais perdure aujourd'hui, voir par exemple ces 5 plus authentiques dessins de jardins japonais.

Cette vénération pour le monde naturel a pris de nombreuses formes avec l'introduction des styles d'art chinois - ainsi que de nombreux autres aspects de la culture chinoise - pendant une grande partie du premier millénaire.

Cette peinture méticuleuse de l'ère Heian (794-1185) est la plus ancienne sérigraphie japonaise qui subsiste, une forme d'art elle-même développée à partir des prédécesseurs chinois (et qui perdure jusqu'à aujourd'hui, voir ici les caractéristiques artistiques de la maison japonaise). Le style est typiquement chinois, mais le paysage lui-même est japonais. Après tout, l'artiste n'aurait probablement jamais été en Chine lui-même.

La création d'un style artistique japonais indépendant, connu sous le nom de yamato-e (littéralement images japonaises), a commencé de cette manière : le remplacement progressif des motifs naturels chinois par des variétés plus courantes cultivées au Japon. Les oiseaux japonais à longue queue ont souvent remplacé l'omniprésent phénix chinois, par exemple, tandis que les arbres et les fleurs locaux ont remplacé des espèces étrangères peu familières. Un animal que l'on voit souvent dans l'art japonais est le kitsune, ou renard. Voici quelques autres choses que vous devez savoir sur le renard d'Inari dans le folklore japonais !
Alors que les liens directs avec la Chine se sont dissipés pendant la période Heian, le yamato-e est devenu une déclaration de plus en plus délibérée de la suprématie de l'art et de la culture japonais. Le zen, autre importation chinoise, se développait en un système philosophique rigoureux, qui commençait à marquer de son empreinte toutes les formes d'art traditionnel japonais. Pour en savoir plus, voir Qu'est-ce que l'art zen ? Une introduction dans 10 chefs-d'œuvre japonais.

Les moines zen se sont particulièrement intéressés à la peinture à l'encre, le sumi-e, qui reflète la simplicité et l'importance de l'espace vide au centre de l'art et de la religion. L'un des plus grands maîtres de la forme, Sesshu Toyo (1420-1506), démontre l'innovation de la peinture à l'encre japonaise dans View of Ama no Hashidate, en peignant une vue à vol d'oiseau du spectaculaire paysage côtier du Japon. Le sumi-e continue d'être l'une des formes d'art les plus populaires du Japon. Vous pouvez vous y essayer vous-même grâce à notre guide pratique de la peinture à l'encre japonaise.

Cependant, rien n'est peut-être aussi spectaculaire que le grand mont Fuji. La forme conique parfaite du volcan endormi et la menace très réelle de sa fureur mortelle se combinent en une entité impressionnante qui a été vénérée et peinte pendant des siècles. Vous pouvez en voir quelques exemples sur le site "Vues du Mont Fuji" : Empreintes de bois démystifiées.

2. Le zen et la cérémonie du thé

L'évolution de la cérémonie du thé a eu une profonde influence sur l'histoire de l'art et de l'artisanat japonais. Les familles aisées ont longtemps profité des occasions sociales pour montrer leurs plus somptueux ustensiles à thé chinois, mais cela a commencé à changer au 16ème siècle, lorsque les esthètes ont commencé à graviter vers un style plus simple.

La popularité d'ustensiles à thé humblement décorés, non polis et surtout japonais a commencé comme une tendance. Elle s'est transformée en un élément permanent du paysage du design japonais grâce à l'approbation du pouvoir politique, en particulier du chef militaire Toyotomi Hideyoshi (1537-1598) et de son maître de thé Sen Rikyu (1522-1591).

Le style d'artisanat que Rikyu favorisait est connu sous le nom de wabi-sabi. Ce concept dérivé du zen, bien que difficile à traduire exactement, fait référence à une philosophie de l'imperfection et de l'impermanence. Le wabi-sabi se manifeste par la préférence pour les tons sobres de la terre par rapport aux couleurs peintes scintillantes par exemple, et pour les formes irrégulières des céramiques moulées à la main par rapport à la perfection des pots lancés à la roue.

La popularité de la cérémonie du thé s'est révélée être un stimulant économique pour l'artisanat japonais et, au cours des siècles de paix d'Edo, après l'époque de Rikyu, l'esthétique wabi-sabi s'est répandue dans les industries du textile, de la métallurgie, du bois et de la céramique, entre autres, toutes désireuses de fournir le meilleur du design japonais à leurs clients pratiquant le thé. Pour en savoir plus sur l'influence de la cérémonie du thé sur l'histoire de l'art japonais, consultez la rubrique "Master Crafts of the Japanese Tea Ceremony". Nombre de ces savoir-faire artisanaux sont mis à profit dans la vie quotidienne dans les célèbres boîtes à bento et poupées traditionnelles du Japon, que vous pouvez découvrir sur le site Tout ce que vous devez savoir sur les boîtes à bento et les plus belles poupées japonaises !

3. L'art des samouraïs

Les gens ont tendance à associer le Japon au vénérable guerrier samouraï, mais beaucoup de gens ne réalisent peut-être pas que ces combattants habiles ont été formés à plus que le combat.

Les samouraïs (également appelés bushi) étaient la classe de guerriers du Japon prémoderne - leur apogée se situe à l'époque Edo (1603-1867). Les samouraïs menaient leur vie selon un code d'éthique soigneusement élaboré, connu sous le nom de bushido (la voie du guerrier).

En tant que caste la plus élevée de la hiérarchie sociale, les samouraïs étaient censés être cultivés et instruits en plus d'être puissants et mortels. Parce qu'ils étaient au service de la noblesse riche, qui appréciait beaucoup les activités artistiques, les guerriers samouraïs idéalisaient également les arts et aspiraient à en devenir des experts.

On attendait des samouraïs qu'ils suivent à la fois le bu et le bun - les arts de la guerre et de la culture. Il existe même une expression pour ce mode de vie, bunbu-ryodo, qui signifie arts littéraires, arts militaires, dans les deux sens.

Il n'est donc pas surprenant que de nombreux samouraïs aient utilisé leur richesse et leur statut pour devenir poètes, artistes, collectionneurs, mécènes, ou tout ce qui précède. Miyamoto Musashi (c. 1584-1645) est un parfait exemple de cette approche de l'homme de la Renaissance - il était à la fois épéiste, stratège, philosophe, peintre et écrivain. Il est l'auteur du célèbre Livre des cinq anneaux, qui soutient qu'un vrai guerrier maîtrise de nombreuses formes d'art en plus de celle de l'épée, comme la consommation de thé, l'écriture et la peinture.

Les femmes pourraient également appartenir à la classe des samouraïs. Elles servaient principalement d'épouses aux guerriers, mais elles pouvaient aussi s'entraîner et combattre en tant que guerrières elles-mêmes. Ces combattantes étaient appelées onna-bugeisha. Les guerrières ne prenaient généralement les armes qu'en cas de besoin, par exemple pour défendre leur foyer en temps de guerre. Cependant, certaines se battaient à plein temps et se sont imposées d'elles-mêmes.

L'un de ces guerriers était Tomoe Gozen (c. 1157-1247), un onna-bugeisha immortalisé dans le Conte de la Heike. Selon l'épopée, elle était belle et puissante, possédant la force de beaucoup, "une guerrière qui en vaut mille, prête à affronter un démon ou un dieu". Bien que son existence soit attribuée à une simple légende, les guerriers étaient inspirés par sa valeur et elle a été le sujet d'innombrables pièces de kabuki et de peintures ukiyo-e.

L'art des samouraïs directement lié au combat comprend la conception et la fabrication d'armures et d'armes. Les épées des samouraïs, principal outil et symbole des bushi, sont encore aujourd'hui réputées pour leur savoir-faire. Les Katana étaient à la fois solides et flexibles, avec des lames d'acier courbées et un seul tranchant.

Pour séparer le manche de la lame, on utilisait la tsuba, qui a évolué d'un simple disque de métal à la toile pour certains des travaux métalliques les plus complexes. Des blasons de famille, des symboles de bon augure et même des scènes entières de mythes et de littérature étaient gravés dans ces élégants accessoires.

L'armure des samouraïs était tout aussi impressionnante et complexe. Elle était fabriquée à la main de manière experte et faite de matériaux que l'on peut considérer comme opulents, comme la laque pour résister aux intempéries et le cuir (et éventuellement la dentelle de soie) pour relier les différentes écailles. L'armure faciale était également un art complexe en soi ; vous pouvez en lire plus sur 10 choses que vous pourriez ne pas savoir sur les masques japonais traditionnels. Même en temps de paix, les samouraïs continuaient à porter ou à afficher une armure comme symbole de leur statut.

4. La beauté d'Edo dans les estampes Ukiyo-e

 

L'ère Edo (1615-1868) a connu une longue période d'extraordinaire stabilité. La société d'Edo était en plein essor et les villes se développaient à une échelle sans précédent. Les classes sociales étaient strictement appliquées. Au sommet, il y avait les samouraïs qui servaient le gouvernement Tokugawa, puis les fermiers et les artisans, enfin au bas de l'échelle se trouvaient les marchands.

Cependant, ce sont souvent les marchands qui ont le plus profité économiquement de leur rôle de distributeurs et de prestataires de services. Avec les artisans, ils étaient connus sous le nom de chonin (citadins).

Avec la nouvelle prospérité, les biens de toutes sortes ont prospéré. En particulier, les estampes sur bois, ukiyo-e, ont atteint leur sommet en termes de popularité et de sophistication.

Ukiyo-e signifie littéralement "images du monde flottant". Dans le contexte d'Edo, ces étonnantes estampes sur bois mettaient en évidence le style de vie urbain cultivé, la mode et la beauté de l'éphémère.

C'est également à cette époque que les techniques d'impression sont devenues très avancées. La production de gravures sur bois était assurée par ce qu'on appelait alors un quatuor ukiyo-e. Il comprenait l'éditeur, qui dirigeait l'entreprise, le bûcheron, l'imprimeur et l'artiste. Dans les années 1740, les estampes d'art ukiyo-e étaient déjà réalisées en plusieurs couleurs vives. Une autre caractéristique importante de ces estampes est le matériel qu'elles utilisent, en particulier le papier washi, que vous pouvez découvrir sur le site All You Need to Know About Washi Paper.

L'un des objectifs les plus importants des tirages ukiyo-e était de refléter le style de vie élégant des citadins d'Edo. Les marchands étaient confinés par la loi à leur statut social et, par conséquent, ceux qui en avaient les moyens passaient leur temps à la recherche du plaisir et du luxe, comme on pouvait le trouver dans le quartier des plaisirs de Yoshiwara.

Yoshiwara était plus qu'un simple bordel, c'était un centre culturel pour les hommes riches et branchés de l'époque d'Edo. Cette scène démontre de façon frappante la fascination qu'exerçait la région, tant pour ceux qui y venaient que pour ceux qui ne pouvaient que regarder de l'extérieur. Ce contraste est rendu encore plus poignant ici dans cette œuvre par la brillante Katsushika Oi, fille du plus célèbre Hokusai. Aujourd'hui encore, cette artiste incroyable continue d'être mise en marge. Lisez son histoire dans Katsushika Oi : La main cachée de la fille d'Hokusai.

Les courtisanes de Yoshiwara étaient représentées de manière étonnante dans des estampes ukiyo-e. Leurs somptueux kimonos, coiffures et maquillages ont été minutieusement mis en valeur. Elles étaient les vedettes des Edo, et grâce à ces estampes relativement bon marché et largement diffusées, leurs moindres gestes étaient suivis religieusement par les habitants de la ville dans leur vie normale.

Ces estampes de courtoisie fascinantes étaient appelées bijinga, ce qui signifie peintures de belles femmes. L'artiste ukiyo-e le plus célèbre de ce genre est peut-être Kitagawa Utamaro. Vous pouvez tout lire sur ses remarquables estampes d'art à Kitagawa Utamaro : Découvrez la beauté japonaise à travers ses chefs-d'œuvre.

Le théâtre Kabuki était un autre sujet populaire de l'ukiyo-e sous la forme de yakusha-e (gravures d'acteurs). Des images d'acteurs de premier plan étaient fréquemment reproduites et les tirages capturaient souvent des scènes théâtrales avec un art et des détails étonnants. Vous pouvez en savoir plus sur le théâtre japonais dans nos guides essentiels du théâtre Kabuki et Noh ! Pour d'autres exemples de yakusha-e de l'artiste de la gravure Tsukioka Yoshitoshi, vous pouvez lire Les histoires derrière les 100 aspects de la lune.


L'un des artistes ukiyo-e les plus célèbres de l'époque, Toyohara Chikanobu, est devenu, pour une raison quelconque, quelque peu obscur en dehors du Japon aujourd'hui. Il reste cependant l'un des artistes de la gravure sur bois les plus collectionnés au Japon. Pour apprécier ses impressionnantes gravures de bijinga, jetez un coup d'œil à la rubrique Qui était Chikanobu ?

5. L'essor de la céramique japonaise

La beauté et la splendeur des céramiques japonaises sont reconnues dans le monde entier. Pourtant, il est peu connu que la poterie bien-aimée qui a captivé le monde dans les années 1600 provenait d'une humble ville du sud appelée Arita.

Comme dans de nombreuses sociétés, la céramique japonaise remonte à l'ère néolithique. Les premières pièces de l'art japonais datent de la période Jomon (environ 14 000 à 300 avant J.-C.), qui doit son nom à la corde utilisée pour imprimer des motifs sur la terre cuite (jomon peut être traduit par "corde marquée").
La production de ce qui est considéré comme de la céramique moderne a commencé pendant la période Edo, l'époque de la domination des Tokugawa. On se souvient souvent de cette époque en raison des politiques isolationnistes du shogunat Tokugawa : le commerce extérieur et les voyages étaient largement interdits, laissant le Japon coupé du reste du monde.

Pourtant, le commerce a réussi à prospérer dans certaines limites. La Compagnie commerciale néerlandaise des Indes orientales (ou VOC) a été autorisée à commercer au Japon, mais seulement dans certains ports désignés de Nagasaki. Le plus notable de ces ports était Dejima, une île artificielle créée pour séparer les commerçants étrangers des résidents japonais.

 

Les potiers coréens ont été amenés comme esclaves au Japon après l'invasion de la péninsule par Toyotomi Hideyoshi (1537-1598) en 1592. L'un de ces esclaves était Yi Sam-pyeong (mort en 1655). On dit qu'il a découvert une source naturelle d'argile dans les montagnes près d'Arita, pas trop loin de Nagasaki, ce qui l'a inspiré pour enseigner son art aux locaux. Bien que certains éléments de l'histoire soient contestés par les historiens, le récit accepté est que Yi Sam-pyeong est le père de la poterie d'Arita. Il existe même un sanctuaire à Arita dédié à sa mémoire. Ainsi, l'industrie de la porcelaine japonaise est née.


Alors que la porcelaine traditionnelle chinoise (qui dominait auparavant le commerce international) se caractérisait par de simples motifs bleus et blancs, Arita était colorée grâce à une technique pionnière de surglaçage. Ce style est appelé Kakiemon d'après son créateur, un potier nommé Sakaida Kakiemon (1615-1653).

Cette poterie distincte est également connue sous le nom d'Imari par les Occidentaux. Imari était le port à partir duquel les marchandises d'Arita étaient expédiées vers d'autres parties du monde via Dejima. Pour en savoir plus sur la région actuelle, consultez les 6 meilleures villes japonaises de céramique à visiter.

La poterie d'Arita/Imari était exportée en Europe en grandes quantités par le COV. Les Hollandais ont d'abord fait le commerce de la poterie en provenance de Chine, mais les guerres et les rébellions nationales ont entraîné la destruction des fours et l'arrêt du commerce. Les Hollandais se sont alors tournés vers le Japon et, fait étonnant, les fours Arita ont pu exporter d'énormes quantités de porcelaine vers l'Europe et l'Asie entre la seconde moitié du XVIIe siècle et la première moitié du XVIIIe siècle. Pour en savoir plus sur Arita et son avenir, lisez L'avenir de la poterie japonaise : Le laboratoire de porcelaine d'Arita.

Le COV a également influencé l'art japonais d'une autre manière. La simple présence des Hollandais à Dejima, l'un des premiers établissements étrangers au Japon, a eu un effet sur les artistes locaux. Des représentations de la vie quotidienne sur l'île figuraient sur des estampes achetées comme souvenirs par les touristes japonais. Les images des Néerlandais étaient peintes sur la porcelaine même dont ils vivaient. Les peintures et les livres apportés de Hollande ont inspiré à leur tour de nombreux artistes japonais, leur faisant découvrir de nouvelles idées et techniques.

6. L'art japonais : La splendeur de Meiji

La restauration Meiji en 1868 a marqué un tournant dans l'histoire du Japon. Fini le passé féodal et les dirigeants militaires, le Japon marchait alors fermement vers la modernisation et l'occidentalisation sous la direction de l'empereur Meiji. L'ère Meiji et Taisho (1868-1926) se distinguait à tous égards de ce qui s'était passé auparavant. La nation était en constante évolution, tirant entre l'Occident et le nouveau Japon.

Dans le domaine des arts, il y a eu des développements technologiques et stylistiques importants, grâce à l'engagement enthousiaste du Japon envers le monde sous la forme d'expositions et de salons internationaux.

C'est dans l'industrie textile que les méthodes de production ont commencé à se moderniser pour la première fois. Dans les années 1860, le Nishjin de Kyoto - le premier centre de l'industrie du kimono - a envoyé des délégués en Europe pour ramener le métier à tisser jacquard qui a transformé les procédés de tissage.

Les textiles tissés façonnés dans le district de Nishijin de Kyoto sont connus sous le nom de Nishijin-ori, ou textiles Nishijin. Les œuvres des Nishijin-ori sont généralement composées de soies aux teintes vibrantes, entrelacées de somptueux fils d'or et d'argent pour former des motifs artistiques complexes. Le Nishijin-ori ne se limite pas à la fabrication de kimonos et d'obi (ceinture de kimono), il comprend également des décorations de chars pour les festivals et des costumes de Nô élaborés.

Le tissage de la soie a été introduit à Kyoto par la famille Yasushi, qui a immigré de Chine au Japon au 5e ou 6e siècle et qui a enseigné cet art à la population locale.

Bien que l'industrie du tissage Nishijin soit antérieure au rôle de Kyoto comme siège de la famille impériale, ce n'est qu'après que Kyoto soit officiellement devenue la capitale du Japon que la production de Nishijin-ori a pris son essor. L'opulence de la vie de cour exigeait pratiquement des vêtements flamboyants et de haute qualité, aussi un bureau spécial a-t-il été créé et chargé de la fabrication de textiles pour la cour. Cependant, à la fin de la période Heian (794-1185), époque où la cour impériale était à son apogée, la production de tissus sanctionnée par la cour a inévitablement décliné.

Nishijin-ori a réussi à poursuivre son activité en tant qu'industrie privée et a finalement pu prospérer par ses propres moyens. La période Edo, paisible et prospère, a été l'âge d'or des textiles Nishijin, mais après la Restauration Meiji de 1868, les fabricants Nishijin-ori ont perdu leurs patrons féodaux en raison de la réforme du gouvernement. N'ayant plus de shogun ni de samouraï pour les soutenir, ils ont été laissés au bord de l'extinction.

Plutôt que d'abandonner la production, les tisserands de Nishijin ont pris des mesures pour créer des méthodes de production textile plus modernisées.

En 1872, Nishijin a envoyé un envoyé d'étudiants à Lyon, en France, pour étudier les nouvelles technologies textiles. Comme mentionné ci-dessus, ces étudiants ont fait en sorte que divers types de métiers à tisser modernes, dont le métier jacquard français et le métier à tisser à navette volante anglais, soient importés au Japon. Grâce à cette nouvelle connaissance des processus industriels, les entreprises japonaises ont rapidement relevé le défi de la modernisation de l'industrie.

 Tatsumura Art Textiles est l'une de ces entreprises. Fondée en 1894, la famille Tatsumura tisse avec art des textiles de luxe depuis des générations. L'entreprise a une liste de clients impressionnante, dont l'empereur Hirohito et Christian Dior, ce qui montre à quel point l'industrie Nishijin-ori reste respectée.

Les dessins du fondateur Heizo Tatsumura ont transformé le marché textile japonais, à tel point que ses œuvres brevetées ont rapidement été violées par les concurrents. Tatsumura a cependant transformé ce qui allait être un désastre en une opportunité : après avoir étudié pendant dix ans les dessins et modèles classiques qui sont arrivés au Japon par la route de la soie il y a environ 1300 ans, il a créé des textiles uniques pour les kimonos et les obi et des articles pour la cérémonie du thé.

Tout au long de sa vie, Tatsumura a été chargé de créer des reproductions et de restaurer des tapisseries inestimables provenant de plusieurs bâtiments historiques remarquables au Japon, notamment le dépôt Shosoin (la maison du trésor du temple Todaiji) ainsi que le temple Horyuji, le plus grand bâtiment en bois du monde. Il est tout à fait approprié que ces deux bâtiments soient situés à Nara, puisque cette ville a été établie comme première capitale permanente du Japon en 710.

C'est là que réside le succès de Tatsumura Textiles - une synergie parfaite entre les méthodes de teinture orientales et la technologie de tissage occidentale forgée avec le concept d'onko chishin ("apprendre le passé pour créer quelque chose de nouveau").

Dans le domaine du travail des métaux, les artisans de l'ère Meiji ont dû trouver rapidement de nouvelles entreprises adaptées. L'abolition de la classe des samouraïs et l'interdiction du port du sabre en 1876 ont entraîné l'effondrement de leur industrie presque du jour au lendemain.

Mais beaucoup trouvèrent d'autres débouchés pour leurs talents, et avec un succès exceptionnel, comme en témoigne le superbe savoir-faire de cette jarre sur le thème du dragon. L'enveloppe en soie de cette jarre est minutieusement sculptée, et c'est un travail particulièrement fin étant donné qu'il ne s'agit pas vraiment de soie, mais de métal.

Les peintres de Meiji ont cherché avec acharnement de nouvelles façons de refléter l'esprit du nouveau Japon. Les étudiants, les universitaires et les artistes se rendaient souvent en Europe ou en Amérique pour ramener des styles occidentaux connus au Japon sous le nom de yōga (peintures occidentales). Mais pour d'autres, la manière japonaise ne pouvait être saisie qu'en s'appuyant sur des siècles d'héritage national.

Ces élégants styles d'art japonais, connus sous le nom de nihonga (peinture japonaise), ne sont peut-être pas très connus au niveau international, mais ont été créés par certains des meilleurs artistes japonais à ce jour. Vous pouvez avoir un aperçu de ce remarquable style de peinture japonaise dans notre Guide Concis du Nihonga, ou lire l'interview exclusive de Japan Objects avec Rieko Morita, qui est l'un des artistes Nihonga les plus connus et les plus respectés travaillant aujourd'hui. Vous pouvez également en apprendre davantage sur la naissance du mouvement Nihonga dans La cachette secrète des meilleurs artistes de Nihonga du Japon.

La principale influence sociale des périodes Meiji et Taisho de l'histoire de l'art japonais a peut-être été le nationalisme d'État. Ce sentiment patriotique a également fortement influencé les arts de l'époque. La gravure sur bois du Mont Fuji de Tsuchiya Koitsu en est un exemple intéressant. Jetez un coup d'œil à La signification des estampes du mont Fuji de Koitsu pour en savoir plus.

La modernisation implacable de l'ère Meiji a été vivement ressentie par de nombreux artistes et artisans. Le désir d'un mode de travail plus éthique et plus inclusif s'est concrétisé par la création du Mingei, ou mouvement de l'artisanat populaire japonais. L'objectif était de relancer les industries artisanales vernaculaires en difficulté par l'étude formelle du design, à l'instar du British Arts and Crafts Movement de la fin du XIXe siècle.

Cette charmante estampe est un exemple du style rural japonais unique de Mingei. Il reprend le caractère kanji 酒, qui signifie saké ou alcool, en utilisant les pots et petites tasses en céramique dans lesquels le saké est habituellement servi.

Le maître de l'imprimerie Okamura Kichiemon était fasciné par les objets quotidiens de la vie japonaise, comme la vaisselle illustrée ici, et était l'auteur de nombreux livres sur Mingei.

7. L'art de l'artisanat japonais

La modernisation frénétique du Japon après la Seconde Guerre mondiale a apporté une prospérité accrue à beaucoup, mais dans le monde de l'art, on a commencé à craindre que les compétences artisanales traditionnelles japonaises ne soient noyées sous la nouvelle vague des mœurs culturelles occidentales.

En réponse, le gouvernement a promulgué une série de lois visant à encourager et à soutenir les arts, notamment la désignation de biens culturels importants et le titre informel de "Trésors nationaux vivants" pour les maîtres artisans, qui pouvaient ainsi perpétuer les savoir-faire traditionnels.

Matsui Kosei (1927-2003) était l'un de ces trésors nationaux. En se penchant sur des savoir-faire artisanaux autrefois disparus, Kosei a pu développer la technique du nériage pour réaliser des créations aussi complexes et colorées que cet incroyable vase strié. Pour en savoir plus sur les maîtres céramistes, consultez le site These Phenomenal Japanese Ceramics ou explorez les 11 meilleures femmes artistes céramistes du Japon.

 

Les techniques oubliées ont également inspiré l'artiste Kubota Itchiku. En expérimentant avec soin un style de teinture shibori vieux de 700 ans, le tsujigahana, il a transformé un objet habituellement discret en toile pour son art passionné et émotionnel, comme cette pièce, Le Mont Fuji et les Nuages brûlants.

Pour une introduction plus détaillée au shibori, visitez le site 5 Things You Should Know About Japanese Shibori Dyeing, ou apprenez-en plus sur la teinture indigo traditionnelle du Japon. Dans le monde du kimono japonais, la teinture du yuzen est particulièrement complexe et raffinée, incarnant la catégorie unique de l'art vestimentaire ! Découvrez ce que vous devez savoir sur le kimono Yuzen. Vous trouverez également de nombreux autres motifs de kimono extraordinaires à découvrir dans Kimono Designs : 9 incontournables chefs-d'œuvre japonais.

Le verre, en revanche, n'était pas couramment utilisé au Japon avant la restauration Meiji. Cependant, avec la diffusion des habitations et des fenêtres de style occidental, les artistes ont rapidement découvert le potentiel d'un matériau aussi polyvalent. Yukito Nishinaka est l'un de ces artisans qui travaille aujourd'hui. Inspiré par les objets d'artisanat japonais du passé, Nishinaka cherche à réinterpréter des objets tels que la vaisselle de thé et les ornements de jardin, tout cela par le biais du verre. Vous pouvez voir d'autres œuvres d'art de Nishinaka et de ses pairs sur le site Glass Artists to Shatter Your Preconceptions.

Les bijoux d'art sont un autre domaine qui, bien que n'étant pas originaire du Japon dans sa forme moderne, est capable de puiser dans le riche patrimoine culturel du pays pour produire des œuvres d'art uniques. Mariko Sumioka, par exemple, trouve son inspiration dans le langage architectural du Japon. Elle voit la valeur esthétique non seulement dans les maisons et les temples que l'on trouve ici, mais aussi dans les différents éléments des structures : bambou, laque, céramique, carreaux et autres matériaux de construction et d'artisanat traditionnels. Faites connaissance avec d'autres artisans qui font revivre l'histoire de l'art japonais sur le site "Comment le design des bijoux japonais s'inspire de l'art traditionnel".

8. L'avenir de l'art contemporain japonais

L'art contemporain japonais du XXIe siècle reflète les efforts conscients de ses créateurs en matière d'innovation et d'expérimentation. Les artistes pionniers d'aujourd'hui passent rapidement d'un médium artistique à l'autre pour exprimer leurs visions sans compromis. Du manga à la mode, en passant par la sculpture et la photographie numériques, les frontières disciplinaires acceptées sont abolies pour créer de nouvelles voies d'autonomie artistique et sociale.

L'autonomie artistique est particulièrement vraie pour l'émergence de nouvelles femmes artistes japonaises. Il y a un nombre sans précédent de femmes professionnelles travaillant dans les domaines créatifs, et des artistes établies comme Yayoi Kusama ont ouvert la voie à l'épanouissement de jeunes femmes artistes. Vous pouvez faire la connaissance de certaines de ces femmes talentueuses dans Japanese Women Artists You Should Know, 10 célèbres femmes peintres dans l'art japonais, et 10 femmes artistes de manga les plus populaires ! Vous pouvez également visiter les œuvres publiques de Kusama en personne, où que vous soyez dans le monde : 14 Best Places to See Yayoi Kusama's Art.

Cette couronne d'argent de l'artiste gallois Junko Mori est un exemple d'artisanat étonnant, où le métal indéfectible est coulé en tendres pétales de printemps.

Cette pièce unique intitulée "Silver Poetry ; Spring Fever Ring" est une introduction appropriée à son processus de fabrication instinctif : Aucune pièce n'est planifiée individuellement, mais se forme entièrement au cours du processus de fabrication et de réflexion. En répétant de petits accidents, comme une mutation de cellules, l'accumulation finale d'unités émerge au sein de ce processus d'évolution", explique Mori.

Semblable au rakuware d'un maître artisan du thé, le travail de Mori incarne cette rare qualité où les accidents sont célébrés pour leur beauté incontrôlable.

La série "Out of Disorder" de Takahiro Iwasaki est un exemple fascinant d'expérimentation de pointe, dans laquelle il utilise des objets quotidiens mis au rebut pour créer des paysages urbains miniatures incroyablement détaillés. Vous pouvez lire des informations sur son travail dans The Story of Takahiro Iwasaki's Radical Sculptures.

Les convictions de Takashi Murakami en matière de violation des règles sont parfaitement évidentes dans nombre de ses œuvres. La vue de sa sculpture Flower Matango dans le château de Versailles est une illustration idéale du choc passionnant entre l'art traditionnel et la culture pop. En présentant un nouvel hybride de ces influences, Murakami prend sa place comme l'un des artistes japonais les plus réfléchis travaillant aujourd'hui. Vous pouvez consulter les œuvres d'art contemporain japonais iconiques pour en savoir plus ! Si vous êtes à Tokyo, vous pouvez également visiter le premier musée d'art numérique du pays qui présente les œuvres du collectif d'art teamLab. Consultez notre interview exclusive ici.

Souvent, des traditions séculaires fournissent aux artistes contemporains les outils nécessaires pour démontrer leurs compétences créatives. Vous pouvez voir ici comment Masayo Fukuda a développé de nouvelles avenues pour la technique du kirie, ou découpage de papier japonais. En utilisant une seule feuille de papier washi, elle a minutieusement sculpté une belle créature marine élaborée qui semble prendre vie entre vos mains ! 

 

L'artiste Chiharu Shiota, basée à Berlin, a une vision très pertinente de l'innovation artistique. Elle crée des installations à grande échelle qui explorent les vocabulaires de l'anxiété et du souvenir. State of Being, par exemple, est un portrait étonnant des liens puissants entre les gens et leurs biens. En enfermant des objets quotidiens, comme une robe d'enfant, dans d'infinies toiles de fil rouge, elle transforme des objets ordinaires en souvenirs personnels évocateurs.

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